Oferta galeryjna
Tytuł: | Anioł karmiący kawki (1921) |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 60 x 73 cm 80,5 x 93,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany i datowany p.d.: "Wlastimil Hofmann | 1921" Na odwrocie pieczęć oraz metka krakowskiego magazynu przyborów malarskich Róży Aleksandrowicz oraz pieczęć firmy Lefranc&Bourgeois. OPIS PRACY: Postać anioła przewija się w symbolicznej sztuce Wlastimila Hofmana od wczesnej jego twórczości, aż po jej późne etapy. Obraz "Anioł karmiący kawki" pochodzi z cenionego przez kolekcjonerów i historyków sztuki okresu w dorobku Wlastimila Hofmana – z początku lat 20. XX wieku. W oferowanym dziele anioł ukazany został w półakcie, jako młoda kobieta o rudobrązowych, spiętych w okalający głowę warkocz włosach i białych skrzydłach na plecach. Postać ujęta została w pozycji siedzącej, w trakcie karmienia czterech ptaków – kawek umieszczonych po lewej stronie kompozycji. Tło stanowi szarobłękitne niebo, w oddali, po lewej, widnieje zarys horyzontu wyznaczanego przez taflę wody. Prezentowany obraz Wlastimila Hofmana jest liryczny w swojej treści i formie, jawi się jako pełen spokoju i harmonii dzięki wąskiej, pastelowej, raczej chłodnej gamie barwnej oraz znakomitemu wyważeniu kompozycji. Warto zwrócić uwagę, że nawet niuanse kolorystyczne na ziemistym, czy może raczej skalistym podłożu, na którym umieszczona została postać i ptaki, zamykają się w kręgu fioletów i zieleni odpowiadających tkaninom stanowiącym ubiór anioła. Wrażenie harmonii potęguje również znakomity rysunek – ciało anioła ukazane zostało z dbałością o każdy szczegół anatomiczny, jego wyrysowany kontur został podkreślony charakterystyczną dla sztuki Wlastimila Hofmana linią w się odcieniach brązu, fioletu oraz zieleni. Akt, jako element kompozycji, często występował zresztą w pracach Wlastimila Hofmana z lat ok. 1910-1925 (por. np. "Zagubione szczęście" (1919) ze zbiorów Muzeum Narodowego w Warszawie). Dzięki nienachalnemu tematowi i symbolice oferowane dzieło Wlastimila Hofmana interpretować można na wiele sposobów. Jedną z możliwości odczytania treści obrazu jest przedstawienie dobra. Ukazana postać anioła karmi bowiem kawki, które bywają rozumiane w znaczeniu podobnym do symboliki kruka – raczej jako istoty powiązane ze złymi mocami, zwiastujące nieszczęścia, będące też emblematem chciwości. Tutaj ptaki te skupiają się przy aniele, który z niezwykłą cierpliwością i życzliwością karmi je, pobierając kolejne porcje jedzenia z trzymanej w lewej ręce miseczki. Scenę tę można rozumieć jako zwycięstwo dobra (ukazanego w postaci anioła), uzyskane nie przez otwarty konflikt czy walkę, ale poprzez miłosierdzie i oswojenie tego, co antropomorfizuje zło. |
Tytuł: | Spacer z dalmatyńczykiem (1996) |
Technika: | technika własna, płótno |
Wymiary: | 100 x 130 cm 108,5 x 138,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "Świder" Opisany na odwrocie: "Michał Świder | Spacer | 1996" OPIS PRACY: Michał Świder był cenionym, krakowskim artystą, mistrzem technologii, współczesnym kontynuatorem tradycji epoki antyku i renesansu. Dzieła tego malarza rzadko pojawiają się w sprzedaży, a każdy przykład jego twórczości to wydarzenie na rynku sztuki. Oferowany obraz Michała Świdra "Spacer z dalmatyńczykiem" przedstawia tytułową scenę ukazaną na niemal neutralnym tle oszczędnego pejzażu, który przywodzi na myśl tła fresków imitujących zawieszone na ścianach tkaniny. Interesujący jest tutaj podział przestrzeni na dwie części – dół to migotliwa partia trawy, górę zaś stanowi lakonicznie potraktowane niebo. Postać kobiety zwrócona jest w lewą stronę, odwrotnie względem kierunku, w którym spogląda pies. Modelka przyjęła pełną gracji pozę, trzyma delikatną, splecioną ze złotych koralików smycz oburącz, okrytymi rękawiczkami dłońmi. Postać ubrana jest w długą suknię ozdobioną jak gdyby koronkowym, ornamentalnym wzorem, jej głowę okrywa złotawa chusta. Wystudiowane rysy twarzy nawiązują do kanonu klasycznych proporcji. Figura towarzyszącego kobiecie dalmatyńczyka jest natomiast nieco uproszczona i zgeometryzowana. Złotobrązowe łaty na beżowej sierści mają dekoracyjny, rytmiczny układ. Ich czworokątna forma, razem z bizantynizującym ornamentem stroju kobiety, stanowi swoiste echo secesyjnej estetyki malarstwa Gustava Klimta. Obraz Michała Świdra jest ambiwalentny w swojej doskonałości - oszczędny, a zarazem bogaty, swoiście hieratyczny i monumentalny mimo rodzajowego, codziennego przecież tematu. Poza jakością przedstawienia zachwyca również warstwą technologiczną, znakomitym rysunkiem i budowaną z pietyzmem fakturą. |
Tytuł: | Rymanów (1990) z cyklu "Podróże autostopem" |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 146 x 114 cm |
Uwagi: | Sygnowany i datowany p.d.: "1990 | E. DWURNIK" Opisany l.d.: "RYMANÓW" Opisany na odwrocie: "1990 | E. DWURNIK | NR: IX.420.1390 | RYMANÓW" |
Tytuł: | Gromniczna - Huculi w drodze na obchody |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 40,2 x 49,3 cm 53,5 x 62,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany l.d.: "T. Axentowicz" Proweniencja: - zakup w Desie w latach 60., - kolekcja prywatna. OPIS PRACY: Temat obchodów święta Matki Bożej Gromnicznej wielokrotnie przewijał się w twórczości zainspirowanego folklorem (głównie huculskim) Teodora Axentowicza. Artysta ukazywał różne momenty tego zimowego dnia, najczęściej jednak ujmował wiernych pojedynczo lub w niewielkich grupach zdążających dopiero na nabożeństwo – a więc niosących jeszcze niezapaloną święcę. Rzadziej malował same obrzędy lub ludzi powracających do domu z rozpaloną gromnicą. Zwykle samotną bohaterką takich przedstawień jest młoda dziewczyna w stroju huculskim, trzymająca w ręce świecę, na kolejnym miejscu plasują się ujęcia z dziewczyną i starcem. W bardziej rozbudowanych kompozycjach (jak ta oferowana na aukcji Krakowskiego Domu Aukcyjnego), ukazujących głównych bohaterów w całej postaci lub mniej więcej do linii kolan, artysta wzbogacał tło obrazów szkicowymi sylwetkami kolejnych postaci i zarysem wiosek huculskich. Mając w pamięci powtarzalność tematu w malarstwie Teodora Axentowicza, warto zaznaczyć mnogość i różnorodność ujęć oraz mistrzostwo artysty w oddawaniu prawdy, ale też budowaniu kompozycji, rytmu i harmonii kolorystycznej. W oferowanym obrazie ciężar kompozycji skupia się po lewej stronie, choć jedna z głównych postaci przedstawiona została centralnie. Zarówno ciężar ten, jak i dominanta ciepłych brązów w ubiorach portretowo ujętych dziewczynki i starca, przełamane zostały lekkim, monochromatycznym zarysem postaci w oddali, w prawym górnym narożniku pola obrazowego. Mocny akcent czerwonej chusty na głowie dziecka zrównoważony został znowuż oranżem chaty widocznej w tle. Dzięki swoistemu rozmyciu konturów oraz laserunkowo malowanym, szarobłękitnym połaciom śniegu z miejscowymi tylko impastami bieli całość jawi się harmonijnie i naturalnie, hamuje ostre kontrasty barwne i sytuuje postacie w realnym pejzażu, nie zaś w abstrakcyjnej przestrzeni bieli. Te wszystkie elementy wpływają na maestrię całej kompozycji. Jako że Teodor Axentowicz w swoich pracach o tematyce huculskiej upodobał sobie przedstawienia dwóch zimowych świąt – Jordanu oraz omówionego powyżej Matki Bożej Gromnicznej, nie zawsze można z łatwością rozróżnić je między sobą na obrazach mistrza. Wydaje się jednak, że w momencie, kiedy atrybutami przedstawionych postaci jest zarówno świeca, jak i dzban, mamy do czynienia z obrazem święta Jordanu, zaś sama świeca, tak jak w przypadku prezentowanej pracy olejnej, świadczy raczej o Gromnicznej. |
Tytuł: | Portret z paletą (1963) |
Technika: | olej, płyta |
Wymiary: | 89,5 x 69 cm 106 x 85,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany i datowany l.d.: "28.IV.1963 | STEFAN ŻECHOWSKI" OPIS PRACY: Stefan Żechowski to artysta rozpoznawalny dzięki niezwykle charakterystycznemu stylowi wypracowanemu w technikach rysunkowych, ale także pastelu i oleju. Choć malarz ten jest kojarzony zwykle ze zmysłowymi erotykami, które faktycznie stanowią dużą część jego dorobku, nie były one jedynym tematem w jego twórczości, czego doskonałym przekładem jest właśnie "Portret z paletą" z 1963 roku. Prezentowany obraz olejny to przedstawienie młodej kobiety o długich, gęstych blond włosach. Postać ubrana jest zgodnie z modą lat 60. - w białą sukienkę przepasaną w talii szeroką, szkarłatną szarfą. Prawe ramiączko sukienki opada delikatnie na ramię modelki, co dodaje przedstawieniu zalotności. Rysy twarzy kobiety są mocno zindywidualizowane, oddane z wielką starannością, co świadczy o portretowym ujęciu, nie zaś dziele wyobraźni autora. Kobieta z lekkością i wdziękiem zasiada na pniu, na rozłożonej czerwonej draperii. W lewej ręce modelka trzyma paletę malarską, w prawej pędzel. Obok, na pniu, widoczna jest jeszcze tubka żółtej farby oraz skrzynia z narzędziami malarskimi. Na niepowtarzalną, oniryczno-baśniową aurę omawianego obrazu wpływa jednak przede wszystkim sielsko zielony pejzaż w tle, przecięty krętym strumieniem i ożywiony fantastycznymi postaciami - wizerunkiem uskrzydlonego mężczyzny z wieńcem kwiatów unoszącego nagą kobietę oraz centaura celującego z łuku do tej osobliwej pary. Pod wznoszącymi się sylwetkami kobiety i mężczyzny została porzucona na trawie złota lira. Nie jest to jednak żaden wyjątek - postacie anielskie i mitologiczne (jak fauny czy centaury właśnie) przewijały się wielokrotnie w dziełach zainspirowanego sztuką Jacka Malczewskiego i tradycją młodopolską Stefana Żechowskiego. Symboliczne dzieła Stefana Żechowskiego są trudne, a często nawet niemożliwe do odczytania. Pewnym jest natomiast, że malarz w obrazie złączył prawdę portretu z baśniowością tła, dodając do tego specyficzną, niewulgarną nutę erotyzmu, a całość przedstawiając w indywidualnym stylu, stosując subtelne rozmycie konturów, nasyconą gamę barwną i silny światłocień. "Portret z paletą" (1963) wpisuje się w charakter innych przedstawień portretowych w dorobku artysty, w których to bazował na tradycji portretu romantycznego ukazywanego na tle pejzażu. Dzieło wykazuje duże podobieństwo względem nieco późniejszego portretu żony artysty "Marychna. Marianna z wachlarzem na tle pejzażu" z 1964 roku (olej, płyta; kolekcja prywatna; obraz reprodukowany w publikacji Stefan Żechowski (1912-1984). Katalog raisoneé, red. I. Rajkowska, Kielce 2014, poz. Nr 85, s. 37, 217). Obie prace (każda o dość pokaźnym formacie) ukazują w podobnej konwencji stylistycznej portrety kobiet na tle pejzażu z baśniowym sztafażem. |
Tytuł: | Red to Blue Portal (1977) |
Technika: | akryl, płyta, AP 2/9 |
Wymiary: | 212 x 122 cm |
Uwagi: | Sygnowany i opisany ołówkiem p.d.: "ANUSZKIEWICZ A.P. 2/9 1977" Na odwrocie pieczęć autorska: "20 | ©RICHARD ANUSZKIEWICZ - 1977" Widoczne drobne zadrapania malatury i wtórnie dopisany numer "#21". |
Tytuł: | Płacząca - postać z grupy "Pochodu na Wawel" |
Technika: | brąz |
Wymiary: | 12,5 x 14 x 18,5 cm |
Uwagi: | Sygnowany na podstawie: "W. Szymanowski" |
Tytuł: | Marcowy śnieg |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 36 x 51 cm 48,5 x 64 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany l.d.: "StKamocki" Opisany na odwrocie: "K. | MARCOWY | ŚNIEG" OPIS PRACY: Obraz Stanisława Kamockiego "Marcowy śnieg" ukazuje górzysty pejzaż wsi w okresie przedwiośnia. Artysta przedstawił fragment drewnianego domu z zaznaczoną błękitną szarością kamienną podmurówką oraz dobudówką po jednej stronie. Przed domem znajduje się murowana kapliczka, będąca właściwie dominantą kompozycji. Po prawej, na pierwszym planie, widnieje drewniane ogrodzenie, za nim bezlistne jeszcze drzewa, a w oddali szeroki krajobraz pól pokrytych miejscami topniejącym śniegiem. Stanisław Kamocki, dobierając gamę barwną i sposób prowadzenia narzędzia, dobrze oddał aurę marcowej przyrody. Widz patrzący na obraz może wręcz poczuć rześkie powietrze i zapach wilgotnej, odradzającej się po zimie do życia ziemi. Pod względem formalnym praca jest malowana zdecydowanymi, szerokimi pociągnięciami pędzla, miejscami pojawiają się impasty. Stanisław Kamocki to jeden z najbardziej cenionych pejzażystów – uczniów Jana Stanisławskiego. Studia pod okiem mistrza wpłynęły w dużej mierze na takie właśnie odważne traktowanie kompozycji oraz budowę obrazu w oparciu o plamę, światło i kolor, nie zaś o sztywny rysunek. To swoiste, raczej wrażeniowe niż studyjne podejście do malarstwa sprawia, że w obrazach Stanisława Kamockiego niezwykle trafnie zamknięty zostaje prawdziwy charakter przedstawianego krajobrazu. |
Tytuł: | Królestwo ziemi |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 100 x 70 cm 132 x 99 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany l.d.: "T. Sętowski" Opisany na odwrocie: "Królestwo ziemi | olej płótno 70 x 100 cm" Do obrazu dołączony certyfikat autorski Tomasza Sętowskiego. |
Tytuł: | Pensativo |
Technika: | olej, płótno naklejone na płytę |
Wymiary: | 40 x 30 cm 67 x 57 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany l.d.: "T. Sętowski" Opisany na odwrocie: "Pensativo | olej, płótno 40 cm x 3 cm | Tomasz Sętowski" Do obrazu dołączony certyfikat autorski Tomasza Sętowskiego. |
Tytuł: | Szkice koni (rysunek dwustronny) |
Technika: | ołówek, tusz, papier |
Wymiary: | 52,5 x 36,7 cm |
Uwagi: | Opisany śr.d. ołówkiem przez Wlastimila Hofmana: "Piotr Michałowski | Otrzymałem od rodziny 1934 | Ludwików Michałowskich | Wlastimil Hofman" Rysunek składa się z dwóch przedzielonych wtórnie arkuszy. Widoczne zagięcia papieru na krawędziach oraz niewielkie przetarganie podłoża (p.g., 1,5 cm). |
Tytuł: | Hucułka z koszykiem (przed 1917) |
Technika: | pastel, papier naklejony na tekturę |
Wymiary: | 98 x 54 cm 111 x 68 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany l.śr.: "T. Axentowicz" Na odwrocie metka Magazynu Artystycznego i Salonu Obrazów Juliana Burofa w Warszawie z dnia 21 października 1916 roku z opisem obrazu oraz dwie nalepki Składu Farb i Przyborów Malarskich Juliana Burofa. Więcej o obrazie Teodora Axentowicza w przekrojowym artykule na blogu [ZOBACZ]OPIS PRACY: Wiele miejsca w malarstwie Teodora Axentowicza zajmowała tematyka huculska. W pracach podejmujących ten motyw artysta najczęściej ukazywał w ujęciu portretowym Hucułów na tle pokrytego śniegiem wycinka szkicowo zaznaczonego pejzażu. W prezentowanym obrazie dostrzegalna jest finezja Teodora Axentowicza w ukazywaniu światłocienia i subtelność, z którą przy zawężonej gamie barwnej oddawał poszczególne tonacje kolorystyczne ożywiając całość w tym przypadku czerwonawym akcentem chusty na głowie dziewczynki i haftów na jej ciemnym okryciu. Niezwykle istotnym i powszechnie stosowanym przez artystę zabiegiem było wykorzystywanie barwy podłoża do budowania kompozycji - tutaj jasnobrązowy kolor papieru delikatnie prześwituje w dolnych partiach ukazujących śnieg, wpływając tym samym na głębię przedstawienia, z kolei w górnej części pola obrazowego stanowi delikatne tło dla ledwie naszkicowanego krajobrazu z zaznaczonymi sylwetami huculskich chat. Znamienna dla Teodora Axentowicza płynna i ekspresyjna zarazem linia, za pomocą której nakreślono sylwetkę postaci i pejzaż w tle, potęguje nastrój melancholii i zawieszenia w czasie. Warto podkreślić trafność, z jaką malarz oddał charakter klimatu Huculszczyzny, a także cechy charakterystyczne fizjonomii i stroju jej mieszkanki. |
Tytuł: | Huculi - dwa pokolenia |
Technika: | pastel, akwarela, tektura |
Wymiary: | 97,5 x 67 cm 120 x 90 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany śr.d.: "T. Axentowicz" OPIS PRACY: "Huculi - dwa pokolenia" to imponujących rozmiarów, podkolorowany miejscami akwarelą pastel Teodora Axentowicza. Obraz ukazuje pełny melancholijnej nastrojowości podwójny portret ubranych w codzienne, typowe dla Huculszczyzny stroje postaci – młodej dziewczyny w białej koszuli, brązowym kożuchu i zielonej chustce na głowie oraz siedzącego obok, opartego drewnianym kiju starca w ciemnym okryciu. Dzieło wpisuje się w częstą w malarstwie Teodora Axentowicza konwencję symbolicznego ujęcia kontrastu starości i młodości, stanowiącego swoisty obraz przemijania, tutaj podkreślonego jeszcze ujętym przy górnej krawędzi uschniętym liściem drzewa, pod którym umiejscowiono Hucułów. W tle rozciąga się pejzaż z widocznym pasmem Karpat, na polach widoczne są ślady pierwszego śniegu. Teodor Axentowicz powtarzał w swoich kompozycjach huculskich wizerunki tych samych modeli, umiejscawiając ich jednak w różnych sytuacjach i kontekstach symbolicznych. Gwoli przykładu wspomnieć można o obrazie artysty pt. "Wizja – wspomnienie" ze zbiorów Muzeum Narodowego w Warszawie, w którym w podobnym układzie ujęta została postać tego samego starca ukazanego w półpostaci pod drzewem, tym razem w jednak w towarzystwie pięknej zjawy – wspomnienia z młodości. Fascynacja Huculszczyzną pojawiła się w twórczości Teodora Axentowicza już w latach 80. XIX wieku i trwała przez kolejne dekady. Tematyka ludowa i folklor w malarstwie tego artysty wyróżnia się jednak na tle młodopolskiej chłopomanii – sztuka Teodora Axentowicza nie wychwala, jak to ma miejsce u wielu innych malarzy, barwności życia oraz tradycji chłopskich i ich wolności w naturze, a także braku miejskiego, dekadenckiego zepsucia. Skupia się ona natomiast na symbolicznych treściach dotyczących każdego człowieka, porusza zagadnienie śmierci i przemijania, pokazuje obrzędy religijne – ale te charakteryzujące się wielką powagą, jak pogrzeby czy Święto Jordanu. |
Tytuł: | Smutna |
Technika: | brąz |
Wymiary: | 36,5 x 28,5 x 15,5 cm 39,5 cm (wysokość z podstawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "KLaszczka 1905" Odlew współczesny z oryginalnej formy gipsowej. |
Tytuł: | Taniec ludowy (1942) |
Technika: | drewno |
Wymiary: | 48,5 x 22 x 17 cm |
Uwagi: | Sygnowany i datowany: "Nitra | 1942" |
Tytuł: | Martwa natura z maskami (2002?) |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 40 x 50 cm 48 x 58 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "KBereźnicki" Sygnowany i datowany na odwrocie: "Kiejstut Bereźnicki | 2002 [?]" |
Tytuł: | Martwa natura z pędzlami (1996) |
Technika: | olej, płyta |
Wymiary: | 26 x 43,5 cm 48,8 x 66,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany śr.g.: "Bereźnicki | 1996" |
Tytuł: | Martwa natura |
Technika: | olej, płótno naklejone na tekturę |
Wymiary: | 80 x 100 cm 86,5 x 106,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "J. SOBEL" |
Tytuł: | Wiosenne kwiaty |
Technika: | enkaustyka, technika własna, płyta |
Wymiary: | 49,5 x 39,5 cm 65,5 x 56 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "E. Kanarek" |
Tytuł: | Dzieci w pejzażu - portret Julii i Rafała (1914) |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 40 x 47,5 cm 55 x 64 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany i datowany l.d.: "J. Malczewski | 1914" OPIS PRACY: Schemat kompozycyjny prezentowanego portretu składa się z charakterystycznych dla twórczości Jacka Malczewskiego elementów. Kompozycja pracy jest symetryczna i została zbudowana za pomocą centralnie umieszczonego pnia drzewa, dzielącego całość pola obrazowego na dwie części. Po jego bokach znajdują się dwie postacie. Obraz przedstawia dwójkę dzieci, które można zidentyfikować jako córkę i syna Jacka Malczewskiego - Julię oraz Rafała. W obrazie wyraźnie dostrzegalne są również inne znamienne cechy malarstwa artysty, jak zdynamizowanie wyważonej gamy barwy poprzez zastosowanie intensywnych akcentów kolorystycznych oraz samo ukazanie postaci dziecięcych, które w większości prac mistrza miały znaczenie symboliczne związane z refleksją nad przemijaniem. Prezentowany obraz powstał w 1914 roku, kiedy dzieci Jacka Malczewskiego były już dorosłe, jednak artysta prawdopodobnie stworzył tę kompozycję bazując na wcześniejszych szkicach i fotografiach, które umożliwiły mu stworzenie obrazu będącego intymnym powrotem do przeszłości. W takim rozumieniu praca staje się wizualizacją wspomnienia. Na uwagę zasługuje ubiór Rafała - kobaltowy strój z peleryną i jasny kapelusz z dużym rondem. Ten rodzaj ubioru wielokrotnie powracał w przedstawieniach syna w otoczeniu ogrodu powstałych około 1900 roku. Faktem jest, że wraz z wyjazdem syna na studia w 1910 roku do Wiednia, kontakt pomiędzy Jackiem Malczewskim a Rafałem osłabł, jednak po wybuchu I wojny światowej ojciec i syn wspólnie znajdowali się w stolicy Austrii - być może właśnie tam został namalowany prezentowany obraz. Praca, pomimo swojego szkicowego charakteru, posiada duże walory dekoracyjne i w niezwykle trafny sposób oddaje nastrój dzikiego ogrodu lub bujnego sadu, na którego tle ukazano zamyślone sylwetki dzieci. Całość jest przepełniona nastrojem melancholii, tak znamiennej dla symbolistycznego malarstwa Jacka Malczewskiego. Warto podkreślić, że choć znane są liczne pojedyncze portrety dzieci artysty, to jednak kompozycje jak ta, tj. ukazujące dwie postacie, są wyjątkowe i stanowią rzadkość na rynku aukcyjnym. |
Tytuł: | Wnętrze dworku w słoneczny dzień |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 24,6 x 34,5 cm 33,5 x 43,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "B. RYCHTER-JANOWSKA" |
Tytuł: | Łódź u brzegu - widok na molo w Orłowie (1939) |
Technika: | gwasz, akwarela, papier naklejony na tekturę |
Wymiary: | 35,5 x 50,5 cm 49 x 64,5 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany i datowany p.d.: "S Jaxa | 1939" [sygnatura częściowo wyblakła] Na odwrocie metka z Salonu Sztuki Alfreda Wawrzeckiego w Krakowie. |
Tytuł: | Ułani na patrolu |
Technika: | olej, tektura |
Wymiary: | 50 x 67,5 cm 63 x 80 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "Jan Kotowski" |
Tytuł: | Akt z kwiecistą parasolką |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 70 x 49,5 cm 88,5 x 69 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "St. Żurawski" |
Tytuł: | Spotkanie przy studni |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 55 x 75 cm 67 x 87 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Obraz po konserwacji. |
Tytuł: | Krakowiacy - orszak weselny |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 55 x 74,3 cm 67,5 x 87 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany p.d.: "A. Setkowicz" Obraz po konserwacji. |
Tytuł: | Katedra (2002) |
Technika: | pastel, papier naklejony na tekturę |
Wymiary: | 81,5 x 68 cm 101 x 89 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Sygnowany i datowany l.d.: "Marcin | Kołpanowicz | 2002" |
Tytuł: | Bez tytułu (1990) z cyklu "Obrazy mistyczne" |
Technika: | olej, płótno |
Wymiary: | 110 x 90 cm |
Uwagi: | Sygnowany i datowany na odwrocie: "MARIOLA PRZYJEMSKA 1990R" |
Tytuł: | Kompozycja - projekty plakatu (lata 90.) |
Technika: | pastel, papier |
Wymiary: | 20 x 29,5 cm 32,5 x 42,7 cm (z oprawą) |
Uwagi: | Do rysunku dołączony certyfikat autentyczności wydany przez syna artysty - Jana Mikołaja Biberstein-Starowieyskiego. |
Tytuł: | Oferta galeryjna |
Technika: | Sprawdź pełną ofertę galeryjną ponad 300 prac artystów polskich |
Wymiary: | Sztuka dawna | sztuka współczesna |
Uwagi: | Zapoznaj się z pełną ofertą galeryjną na stronie Galerii Sztuki ATTIS [link] |